Sheng! – Seminars

This seminar begins with an introductory demonstration of the history of gagaku and

the instrumental structure of the shō. Japanese composers have used the shō in their works since the 1970s. One notable work by Toru Takemitsu is the duet for shō and oboe titled Distance. Takemitsu's ensemble piece Syuteiga (In an Autumn Garden, 1973) has become a modern gagaku classic. The latest virtuosity and these epoch-making modern repertories will be presented with the performance Naoyuki Manabe. The seminar will also cover temperament, pitch structure, breathing, aitake and choshi.

The shō is a Japanese free reed instrument made of 17 pieces of bamboo in the shape of a phoenix. It is the only gagaku instrument that produces chordal sounds. Two of the 17 bamboo pipes of the traditional shō have no reeds and therefore make no sound. The instrument must be physically supported by both hands while playing and the middle and ring fingers of the right hand must remain fixed to the silent bamboo pipes throughout the performance.

Due to the physical structure of the instrument and the aesthetics based on gagaku, which has been practised for over 1300 years, the possibilities for combining and transitioning pitches are fairly limited. The eleven chords, called 'aitake', that have been used in gagaku for centuries are composed of two kinds of pentachords and six kinds of hexachords. All eleven chords include the pitches A5 and B5, i.e. gyo and shichi . Four of the eleven chords have an octave and include either the F♯ octave or the E octave. However, D, C♯, B and A never form harmonies, even though they have octave-related pitches at the level of the single pipe.

The second part of the seminar will focus on Manabeʼs revolutionary virtuosity and his reinterpretation of the gagaku tradition. Manabeʼs technical innovations in search of new fingering techniques have led to a perspective that transcends cultural boundaries. Manabeʼs compositional series, Kokyu and Invention IV, and his collaborative work with Motoharu Kawashima, have introduced new levels of virtuosity to the shō that were previously unseen in traditional performances. These new phases enable phrases, chords and melodies common in Western music. During the seminar, exemplar phrases will be presented, such as a descending scale, contrapuntal two-voice leading, flexibly arranged triads, chord alterations based on two whole-tone scales, parallel progression of various pentads composed of third accumulations, and chorale textures composed of fourths and fifths.

Even whilst engaged in such avant-garde pioneering, his attitude towards tradition has remained strong. The Naoyuki Manabe Gagaku Ensemble (NMGE), inaugurated in September 2020, aims to create a new style of gagaku performance based on

contemporary space design that resonates with both tradition and the avant-garde. The ensemble is re-creating traditional pieces such as Omeribuki, as well as re-interpreting Takemitsu's Syuteiga and Toshi Ichiyanagi's Ōgenraku (1980/96). As a composer himself, Manabe interprets musical scores based on the composers' interpretation of tradition. This could be described as a double-phased interpretation.

Ce séminaire débute par une démonstration introductive sur l'histoire du gagaku et la structure instrumentale du shō. Les compositeurs japonais intègrent le shō à leurs œuvres depuis les années 1970. Une pièce emblématique de Toru Takemitsu est le duo pour shō et hautbois intitulé Distance. Son œuvre pour ensemble Shūteiga (Dans un jardin d'automne, 1973) est devenue un classique du gagaku moderne. La virtuosité la plus récente ainsi que ces répertoires modernes fondateurs seront présentés lors de la performance de Naoyuki Manabe. Le séminaire abordera également le tempérament, la structure des hauteurs, le souffle, ainsi que les concepts d'aitake et de chōshi.

Le shō est un instrument japonais à anches libres, composé de 17 tuyaux de bambou dont la forme évoque celle d'un phénix. C’est le seul instrument du gagaku capable de produire des sons polyphoniques (accords). Dans le shō traditionnel, deux des 17 tuyaux ne possèdent pas d'anches et restent donc silencieux. L'instrument doit être soutenu physiquement par les deux mains pendant le jeu ; le majeur et l'annulaire de la main droite doivent rester fixés sur les tuyaux silencieux tout au long de la performance.

En raison de la structure physique de l'instrument et d'une esthétique fondée sur le gagaku — pratiqué depuis plus de 1300 ans — les possibilités de combinaisons et de transitions entre les notes sont assez limitées. Les onze accords fondamentaux, appelés aitake, utilisés dans le gagaku depuis des siècles, sont composés de deux types de pentacordes et de six types d'hexacordes. Les onze accords incluent tous les hauteurs A5  et B5  (gyō et shichi). Quatre d'entre eux comportent une octave (soit l'octave de Fa#, soit celle de Mi). Cependant, le Reˊ, le Do#, le Si et le La ne forment jamais d'harmonies, bien qu'ils possèdent des hauteurs à l'octave au niveau des tuyaux individuels.

La seconde partie du séminaire se concentrera sur la virtuosité révolutionnaire de Manabe et sa réinterprétation de la tradition du gagaku. Ses innovations techniques, à la recherche de nouveaux doigtés, ont ouvert une perspective qui transcende les frontières culturelles. Ses séries de compositions, Kokyū et Invention IV, ainsi que sa collaboration avec Motoharu Kawashima, ont introduit des niveaux de virtuosité jusqu'alors inédits dans les performances traditionnelles. Ces nouvelles étapes permettent l'exécution de phrases, d'accords et de mélodies communs à la musique occidentale. Durant le séminaire, des exemples de phrases seront présentés, tels que des gammes descendantes, des conduites de voix contrapuntiques à deux parties, des accords parfaits disposés avec souplesse, des altérations d'accords basées sur deux gammes par tons, des progressions parallèles de divers empilements de tierces, ainsi que des textures de chorals composées de quartes et de quintes.

Tout en étant engagé dans une telle exploration d'avant-garde, son attachement à la tradition demeure profond. Le Naoyuki Manabe Gagaku Ensemble (NMGE), inauguré en septembre 2020, vise à créer un nouveau style de performance de gagaku fondé sur une conception spatiale contemporaine qui entre en résonance à la fois avec la tradition et l'avant-garde. L'ensemble recrée des pièces traditionnelles telles qu'Omeribuki, tout en réinterprétant le Shūteiga de Takemitsu et l'Ōgenraku (1980/96) de Toshi Ichiyanagi. En tant que compositeur, Manabe interprète les partitions en se basant sur la lecture que les compositeurs eux-mêmes font de la tradition. Cela pourrait être décrit comme une interprétation à double phase.

Introduction: The Historical Context

The 1990s were a pivotal decade, marked by the arrival of Chinese composers in Europe and an unprecedented curiosity regarding their traditional instruments. This period represented a true "historical call" in France, where the encounter between contemporary writing and Chinese instrument making — particularly that of the sheng — opened up new aesthetic paths, driven by institutions such as Royaumont, Radio France, the Ensemble 2e2m, and the CNSMDP etc. Ethnomusicologist François Picard will revisit this founding context. It is in this wake that Joël Bons, a major figure in the introduction of these repertoires to the West, developed his conviction: the future of music lies in the convergence of cultures.

Joël Bons and the Mouth Organ

Possibilities for integrating musicians and instruments from different cultures in new compositions

Over the years, I became convinced that the future of (art) music lies in the mutual influence and convergence of different musical cultures. In 2002 I founded the intercultural Atlas Ensemble, bringing together musicians from China, Japan, India, Iran, Armenia, Azerbaidjan, Syria, Turkey and Europe. The ensemble presents an unheard sound world of instruments from different cultures and aims to create new forms of orchestration in a transcultural idiom. 

In this presentation I will focus on composing for the Chinese and Japanese mouths organs sheng and shō in different intercultural combinations. With examples from my pieces Tour à Tour (2006), Nomaden (2015-16) and Atlas Orchestra (2023-2025) I will illustrate various compositional approaches and strategies. In these works the instruments are used in various combinations: as a solo instrument, in duo (sheng & cello), in unusual chamber music formations (2 shengs, trombone, percussion), as soloist in a large ensemble, or as chords instruments in tutti’s and chorales. 

The map of both instruments is exceptional: the bamboo pipes are arranged in a circle in such a way that they meet the specific musical requirements for which these instruments were traditionally intended. For the shō, these are the traditional chords used in Gagaku court music; the construction of the sheng evolved from the 17-pipe version suitable for traditional pentatonic Chinese music (often using parallel fifths) to fully chromatic variants with many more pipes, resulting in a more complex layout.

The unique construction of these instruments inspired me to freely experiment with possible fingerings, from which various musical ideas emerged. In collaboration with the performers I thus made use of the hidden potentiality of fingering patterns, which are technically comfortable for the performer but unusual and nontraditional. This is just one example of the compositional strategies employed that I will discuss.

Joël Bons

Composer Joël Bons was born in Amsterdam. He studied guitar and composition in Amsterdam, Siena and Freiburg with Robert Heppener, Franco Donatoni and Brian Ferneyhough, but his musical background is diverse, influenced by his parents' unique World Music record collection, the Beatles, Frank Zappa, Igor Stravinsky, Pierre Boulez...

Compositions

Bons’ music has been performed by international top soloists, ensembles and orchestras. 

In 2016 the premiere of the large scale Nomaden was a highlight at festivals such as the Venice Biennale and Cello Biennale Amsterdam. Written for master cellist Jean-Guihen Queyras and the intercultural Atlas Ensemble this work won the 2019 Grawemeyer Award for Music Composition. The Award is often referred to as the ‘Nobel Prize of music’ The New York Times. 

Nomaden has been released on BIS Records. 

Recent commissions include Thirty Situations for soprano, trombone, jazz drums, electric guitar and electronics and the Cello concerto Trailblazer commissioned and performed by the Residentie Orkest. Commissioned by Oranjewoud Festival Joël Bons composed two series of works for the intercultural Atlas Ensemble: 283 Strings (2023) and 132 Guan (2024). 

On 21 June 21, 2025 the large scale Atlas Orchestra was premiered to great acclaim at the Holland Festival/Zaterdagmatinee in the Amsterdam Concertgebouw. It marked the debut of the Atlas Orchestra, an intercultural collective of 40 top musicians from diverse cultures founded by Bons.

ensembles

Joël Bons co-founded the Nieuw Ensemble, was for ten years the group’s guitarist and then became its artistic director responsible for virtually all programming. He introduced a new generation of Chinese composers in 1991 to western audiences, which marked the international breakthrough of new Chinese music. In 1998 Bons and the Nieuw Ensemble were awarded the Cultuurfonds Musicprize for their ‘markedly lively and adventurous programming which can be described as ground breaking, both in the literal and figurative senses of the word’. 

In 2002 Bons founded the Atlas Ensemble, a unique company uniting musicians from China, Japan, Korea, India, Iran, Syria, Uzbekistan, Armenia, Azerbaidjan, Turkey and Europe. For his work with the Atlas Ensemble Joël Bons was granted the prestigious Amsterdam Prize for the Arts 2005. The same year he became professor of composition at the Conservatory of Amsterdam where he organized a yearly Atlas Academy, a laboratory for the creation of intercultural music. Bons has acquired a vast knowledge of non-western music(instruments) over the course of decades and build up a network of musicians at the highest level. In 2025 he created the Atlas Orchestra. 

Introduction : le contexte historique

Les années 1990 constituent une décennie charnière, marquée par l'arrivée de compositeurs chinois en Europe et une curiosité sans précédent pour leurs instruments traditionnels. Cette période a représenté un véritable "appel historique" en France, où la rencontre entre l'écriture contemporaine et la lutherie chinoise — notamment celle du sheng — a ouvert des voies esthétiques inédites grâce à l'impulsion de structures telles que Royaumont, Radio France, l'Ensemble 2e2m ou le CNSMDP. L'ethnomusicologue François Picard rappellera ce contexte fondateur. C’est dans ce sillage que Joël Bons, acteur majeur de l'introduction de ces répertoires en Occident, développe sa conviction : l'avenir de la musique réside dans la convergence des cultures.

Joël Bons et l’orgue à bouche

Les possibilités d’intégration de musiciens et d’instruments de différentes cultures dans les compositions nouvelles

Au fil des années, j’ai acquis la conviction que l’avenir de la musique (savante) réside dans l’influence mutuelle et la convergence de différentes cultures musicales. En 2002, j’ai fondé l’Atlas Ensemble, une formation interculturelle réunissant des musiciens de Chine, du Japon, d’Inde, d’Iran, d’Arménie, d’Azerbaïdjan, de Syrie, de Turquie et d’Europe. L’ensemble présente un univers sonore inédit composé d’instruments issus de diverses cultures et vise à créer de nouvelles formes d’orchestration dans un idiome transculturel.

Dans cette présentation, je me concentrerai sur la composition pour les orgues à bouche chinois (sheng) et japonais (shō) au sein de diverses combinaisons interculturelles. À travers des exemples tirés de mes pièces Tour à Tour (2006), Nomaden (2015-16) et Atlas Orchestra (2023-2025), j’illustrerai différentes approches et stratégies de composition. Dans ces œuvres, les instruments sont utilisés dans des configurations variées : en tant qu'instruments solistes, en duo (sheng & violoncelle), dans des formations de musique de chambre inhabituelles (2 sheng, trombone, percussions), comme solistes au sein d’un grand ensemble, ou comme instruments contribuant à l’harmonie dans les tutti et les chorals.

La configuration de ces deux instruments est exceptionnelle : les tuyaux de bambou sont disposés en cercle de manière à répondre aux exigences musicales spécifiques pour lesquelles ces instruments étaient traditionnellement destinés. Pour le shō, il s’agit des combinaisons de notes utilisées dans la musique de cour du Gagaku ; la construction du sheng, quant à elle, a évolué de la version à 17 tuyaux adaptée à la musique chinoise pentatonique traditionnelle (utilisant souvent des quintes parallèles) vers des variantes entièrement chromatiques comprenant beaucoup plus de tuyaux, ce qui donne une disposition plus complexe.

La structure unique de ces instruments m’a incité à expérimenter librement des doigtés possibles, desquels ont émergé diverses idées musicales. En collaboration avec les interprètes, j’ai ainsi exploité le potentiel caché de schémas de doigtés techniquement confortables pour l’instrumentiste, mais inhabituels et non traditionnels. Ce n’est là qu’un exemple des stratégies de composition que j’aborderai.

Joël Bons

Le compositeur Joël Bons est né à Amsterdam. Il a étudié la guitare et la composition à Amsterdam, Sienne et Fribourg auprès de Robert Heppener, Franco Donatoni et Brian Ferneyhough. Sa culture musicale est toutefois diversifiée, influencée par la collection de disques de « musiques du monde » de ses parents, les Beatles, Frank Zappa, Igor Stravinsky ou encore Pierre Boulez.

Compositions

La musique de Bons a été interprétée par les plus grands solistes, ensembles et orchestres internationaux. En 2016, la création de l’œuvre d’envergure Nomaden a marqué les esprits lors de festivals tels que la Biennale de Venise et la Cello Biennale d’Amsterdam. Écrite pour le maître violoncelliste Jean-Guihen Queyras et l’Atlas Ensemble, cette œuvre a remporté le prix Grawemeyer 2019 pour la composition musicale. Ce prix est souvent qualifié de « prix Nobel de la musique » par le New York Times. Nomaden est publié sous le label BIS Records.

Parmi ses commandes récentes figurent Thirty Situations (pour soprano, trombone, batterie jazz, guitare électrique et électronique) ainsi que le concerto pour violoncelle Trailblazer, commandé et interprété par le Residentie Orkest. À la demande du festival Oranjewoud, Joël Bons a composé deux séries d’œuvres pour l’Atlas Ensemble : 283 Strings (2023) et 132 Guan (2024). Le 21 juin 2025, la grande fresque Atlas Orchestra a été créée avec un grand succès lors du Holland Festival au Concertgebouw d’Amsterdam. Cet événement marquait les débuts de l’Atlas Orchestra, un collectif interculturel de 40 musiciens de haut niveau fondé par Bons.

Ensembles

Joël Bons a cofondé le Nieuw Ensemble, dont il fut le guitariste pendant dix ans avant d’en devenir le directeur artistique. Il a fait découvrir une nouvelle génération de compositeurs chinois au public occidental dès 1991, marquant ainsi une percée internationale pour la nouvelle musique chinoise. En 1998, Bons et le Nieuw Ensemble ont reçu le prix de musique du Cultuurfonds pour leur « programmation d’une vitalité et d’une audace remarquables, pionnière tant au sens propre qu’au sens figuré ».

En 2002, il fonde l’Atlas Ensemble, une formation unique unissant des musiciens de Chine, du Japon, de Corée, d’Inde, d’Iran, de Syrie, d’Ouzbékistan, d’Arménie, d’Azerbaïdjan, de Turquie et d’Europe. Pour son travail avec cet ensemble, il a reçu le prestigieux prix d'art d'Amsterdam en 2005. La même année, il devient professeur de composition au Conservatoire d’Amsterdam, où il organise chaque année l’Atlas Academy, un laboratoire de création musicale interculturelle. Au cours des décennies, Bons a acquis une connaissance approfondie des instruments et des musiques non occidentales et a constitué un réseau de musiciens de niveau mondial. En 2025, il a créé l'Atlas Orchestra.